鲁珊在关山月美术馆三楼举办的“心所若触”个展，介绍了她的多幅作品，包括油画、装置艺术等，阐述了作品背后所蕴含的情感和意义，以及观众在现场的共鸣，还提到了展线最后的空白画布所代表的深意。
在关山月美术馆三楼，一场名为“心所若触”的鲁珊个展，宛如一座隐秘的情感港湾，成为了都市人心灵的情绪出口。她的作品，恰似深圳这座城市中人们的日常写照。一面是在回南天那潮湿得仿佛能拧出水来的氛围里深深扎根，一面又在林立的钢筋森林中，倔强地寻找着自由飞翔的可能。
就拿作品《静水流深》来说，在鲁珊的眼中，那“黏稠的绿”被生动地呈现在了画作之上。大片的绿色，浓稠且厚重，仿佛蕴含着无尽的生命力；而点缀其中的粉色，明艳而生动，如同在厚重生活中偶尔闪现的一抹亮色。鲁珊未曾接受过专业的油画学习，透视、色彩、对比等传统技法并未成为她表达的束缚。她那不拘一格的笔触，恰好与南方草木的野性之美相得益彰。她曾真诚地说：“我只想描绘出我对它的感受。画的全是感受。”
中国美协美术理论委员会主任、策展人尚辉对她的作品有着深刻的见解。他表示：“这是一种地缘文化在地理植物学上获得的心理反射。相比之下，她的身体携带了中原文化浓稠的诗意，而这些诗情却被散化在那些不知生死的南方植物生长之中。她看不到它们的生死，却不断感受到了来自内心的枯萎。”他还指出，在她的画面上呈现出“草木葳蕤”“四月芳菲尽”或“桃花始盛开”等景象，而这些画面所见，恰似烈火余烬或波光幻灭。
在《折翼·止 No.1》这幅作品中，鲁珊笔下的黑鸟，早已不仅仅是自然界的生灵，而是她内心情感的具象化体现。她在现场的场刊上这样写道：“那时候，我以为我是有一双翅膀的，却发现总是飞不出自我，于是画这些飞扬暴烈的线条组成的形体——虽然在虚空中折了翼，我却希望它们能承载着不屈服的倔强。”
这些画作，于鲁珊而言，是她情感的宣泄口，更是她自我疗愈过程的珍贵记录。她感慨道：“通过画它，我慢慢跟世界和解了。”
现场还有一组装置艺术作品，是鲁珊在母亲离世之后创作的。绘画成了她纾解悲伤的出口。她坦言：“情绪比较激动的时候，会用一些比较快速急速的笔触，比较压抑难过的时候，我会让它停留得更久，甚至加一些稀释剂让颜料流淌下来，觉得悲伤就会跟着它一起流下来。”这种对情感的直接表达，让她的作品充满了原始的生命力和强烈的情感张力。
鲁珊的作品十分奇妙，尽管它们并不具象，但却很容易被观众看懂并产生共鸣。在展览现场，许多观众激动地分享着他们的感受：“这些画作太好了”“我看到了挣扎”“我看到了力量”“我看到了湿漉漉的回南天！”
鲁珊说：“我一直觉得这些画是画给自己看的，像日记一样，记录下某一刻的感受、某一段时光、某一次旅行。画完之后，我便把它们背对着墙放着，不再去看，只当作自己生命中一段段的私密时光。但这次，当它们被挂在展墙上，别人竟然看懂了，甚至感受到了我当时的情感。这让我意识到，艺术真的很奇妙——它能够成为联通人与人之间情感与内在世界的媒介。”
在展线的最后，一张反复绘制和覆盖的空白画布静静地悬挂着。鲁珊透露，它原本描绘的是西藏的一些景物，但后来因感觉不对，她开始反复清洗与覆盖，最后就闲置在那了。“当这个关于怀念和悲伤的展厅空间所有的作品布置完毕时，空了一面窄墙。我发了好长时间的呆，忽然想起这张作品。我觉得它似乎就应该放在这个位置。因为在生死面前，一切似乎最终都是虚妄的存在，但正如这张作品被覆盖的背后，所有的生死离别和喜怒哀乐又都是我们真实存在过的证明。”鲁珊说。
这张空白画，可能是沉淀，也是虚无；是过往，也是未来；是自我，也是对话。它就如同鲁珊所有的作品一样，恰似“心所若触”这个主题所蕴含的深意。
本文介绍了鲁珊在关山月美术馆举办的“心所若触”个展，详细解读了她的多幅作品，展现了作品背后的情感内涵和创作故事。鲁珊的作品以独特的视角和自由的笔触，将内心感受通过艺术形式表达出来，不仅实现了自我疗愈，还引发了观众的共鸣，体现了艺术作为情感沟通媒介的奇妙力量。最后提到的空白画布更增添了作品的哲学意味，让人对生死、存在等问题进行思考。
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